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July 27 BatmanBatman, también conocido como el Hombre Murciélago es un personaje ficticio y superhéroe creado por el escritor Bill Finger y el artista Bob Kane (aunque solo Kane recibe crédito oficial) para una de las historietas del número 27 del comic book Detective Comics, donde tuvo su primera aparición en la historia llamada El extraño caso del sindicato químico, de la editorial estadounidense National Publications, fechado en mayo de 1939. Originalmente, Batman era solo uno de una variedad de personajes que aparecían en Detective Comics, pero se ha convertido en el líder o colíder de una variedad de libros de historietas, además de una "familia" de títulos de personajes relacionados (Robin, Batgirl (Batichica)). Batman y Superman son los personajes de DC Comics más populares y reconocidos. En los 70, el dibujante Neal Adams devolvió al personaje su dignidad y oscurantismo, apoyado por los guiones de Dennis O'Neil. Para muchos, esa ha sido la encarnación definitiva del personaje, con historias que se centran más en tramas detectivescas. En los años 80, dos historietas de Frank Miller redefinieron el personaje: "Batman: The Dark Knight Returns " (1986) y "Batman: Año Uno" (1986-1987), está última con dibujos de David Mazzucchelli. En ella se reelabora la historia del personaje hasta darle su forma definitiva.
Creación y publicaciónEn 1939, el éxito de Superman en Action Comics impulsó a los editores en la división de historietas de National Publications (después DC Comics, ahora una subsidiaria de Time Warner) a pedir más superhéroes para sus títulos. En respuesta, Bob Kane creó un personaje llamado "Birdman" ("El Hombre Pájaro"). Su colaborador Bill Finger le sugirió algunas ideas, como renombrar al personaje "Batman", y cambiar su antifaz por una capucha, darle una capa en lugar de alas, guantes y retirar las secciones rojas y brillantes del traje. Finger escribió la primera historia para Batman mientras que Kane proporcionaba el arte. Debido a que Kane ya había propuesto la creación de un personaje llamado Batman a los editores de DC Comics, solo Kane recibió crédito oficial por la creación de Batman en ese tiempo. Se han citado una gran variedad de fuentes de inspiración para la personalidad de Batman, su personaje, historia, diseño visual y equipamiento, incluyendo El Zorro, Doc Savage, La Sombra, The Bat, The Phantom, Drácula, Sherlock Holmes, Douglas Fairbanks, Superman, Dick Tracy y hasta los dibujos técnicos de Leonardo Da Vinci. En un principio, Batman era un vengador violento que cargaba una pistola y mataba a sus enemigos muy frecuentemente. Sin embargo, el personaje fue un éxito total, haciendo que las ventas de Detective Comics se elevaran hasta el punto en que la división de historietas de National Publications fuera renombrada "Detective Comics, Inc.". Poco después, National Publications sugirió que se bajara el tono en la violencia, y que el personaje recibiera un compañero juvenil que los lectores pudieran usar como un equivalente a la audiencia. Kane primero sugirió un pícaro personaje como Puck, mientras que Finger sugería un personaje más real, Robin. El equipo de Batman y Robin fue un éxito. Robin se convirtió en un personaje que muchas generaciones de lectores y fanáticos reconocen. Kane, el más ágil en los negocios del equipo creativo Kane-Finger, negoció un contrato con National por el cuál otorgaba los derechos de propiedad del personaje a cambio de que, entre otras compensaciones, un línea apareciera en todos los cómics de Batman que dijera "Batman creado por Bob Kane", sin importar si Kane estuviera involucrado en el mismo. En esos tiempos, en ningún comic book y en muy pocas tiras cómicas de compañías se daba crédito al equipo creativo. El contrato de Bill Finger, por comparación, le otorgaba una mínima cantidad monetaria y ningún crédito, incluso en las historias en las que él trabajó con Kane. Finger, al igual que Joe Shuster, Jerry Siegel y muchos otros creadores durante y después de la "Edad de oro de los comic books", reprochaban a National por haberlos estafado el dinero y la dignidad que sentía se les debía por sus creaciones. Cuando Finger murió, en 1974, no había sido acreditado por su trabajo. En contraste, Kane disfrutaba de su estatus de celebridad. Irónicamente, muchas de las historietas de Kane, incluso su arte que no era historietas, eran escritos e ilustrados por otros, escritores o artistas no acreditados que trabajaban bajo el nombre de Kane. Historia y característicasEn el mito de Batman, Batman es el alter ego de Bruce Wayne *(traducido en algunas versiones en América latina como Bruno Díaz), un multimillonario empujado a luchar contra el crimen tras presenciar en su infancia el brutal asesinato de sus padres, Thomas y Martha Wayne. La identidad del asesino ha cambiado varias veces en la historia de Batman (la versión más famosa es la de El Joker (El Guasón) en la película de 1989 de Tim Burton Batman), pero en la versión actual se conoce como el criminal Joe Chill. En la saga Hora Cero se relata que la identidad del asesino de sus padres nunca fue descubierta, por lo que la lucha de Wayne contra el crimen es más una cruzada sin fin que una venganza sobre un único criminal. Para vengar la muerte de sus padres, Wayne pasó su juventud viajando por el mundo aprendiendo una variedad de habilidades para luchas contra el crimen, incluyendo criminología, ciencia forense, artes marciales, gimnasia, cacería humana y camuflaje. Después de regresar a Ciudad Gótica cuando tenía poco más de 20 años, Bruce Wayne inició su lucha contra el crimen como un aventurero solitario. Dado el poco éxito que obtuvo, decidió buscar un atuendo que amedrentara a sus enemigos, pues en una de sus lecturas sobre criminología había aprendido que "los criminales son cobardes y supersticiosos". En una escena de aires oníricos repetida en varios cómics del personaje, un murciélago rompe el cristal de una ventana e irrumpe en la biblioteca de Wayne cuando este meditaba; el protagonista lo toma como un presagio, y decide que se convertirá en un murciélago. Batman es presentado como un hábil e incomparable artista marcial, con una personalidad estoica y un fuerte deseo por la justicia. En cómics recientes, Batman se presenta con una personalidad obsesiva y falta de humor. Para el mundo, Bruce Wayne es un irresponsable y superficial hombre de negocios que vive de la fortuna personal de su familia y de las ganancias de las Empresas Wayne, una gran firma tecnológica privada de la que es dueño. Sin embargo, Wayne es también conocido por sus contribuciones a la caridad, a través de la Fundación Wayne, una fundación de caridad dedicada a ayudar a las víctimas del crimen y a evitar que la gente recurra a él. La actitud pública de Bruce Wayne fue creada por Bruce para proteger su identidad secreta. Wayne hizó cambios significativos a su voz para convertirse en Batman. La voz del Caballero de la Noche es baja y rasposa, como un disfraz y como intimidación. Las identidades duales de Bruce Wayne han variado por el tiempo. Los comics presentan al aspecto del playboy decadente de su personaje (antiguamente, los comics presentaban a Wayne como un caballero más maduro y refinado) como el disfraz, y al vigilante enmáscarado y particularmente rudo y oscuro como el "verdadero" hombre. Wayne protege su identidad y solo un número muy reducido de individuos conoce su alter ego de superhéroe, incluyendo a Alfred, Robin, Oráculo, Superman, Mujer Maravilla y Flecha Verde. En algunos de los cómics algunos de sus enemigos han descubierto su identidad a lo largo de los años, como Ra's Al Ghul, Hugo Strange y Bane. Afortunadamente, la mayoría de los enemigos de Batman han descartado la posibilidad de que Bruce Wayne sea Batman debido a la personalidad que Bruce representa. El Jóker en particular disfrutó de varias oportunidades en las que podría haber descubierto la identidad de Batman, pero nunca lo ha hecho ya que eso le quitaría el misterio a su enemigo. Batman trabaja en Ciudad Gótica (Gotham City en inglés), una ciudad ficticia inspirada en Nueva York–alterada para enfatizar el "lado oscuro", en contraste con el sentimiento moderno y futurístico de Metrópolis. Para preservar esa temática "oscura", Batman casi siempre opera de noche. Cuando es requerido, la policía activa la "Batiseñal" (un proyector con una insignia en forma de murciélago en su lente) que brilla en el cielo. La base de Batman es la Baticueva, una caverna localizada debajo de la Mansión Wayne, que contiene todos sus artefactos, armas y otra parafernalia. Una parte importante del mito de Batman– a diferencia de Superman y la mayoría de los otros héroes disfrazados– es que él no posee poderes sobrehumanos. Sin embargo se ha elevado a un estatus de superheróico gracias a su determinación, inteligencia y entrenamiento constante. Bruce diseña los trajes, equipo y vehículos que utiliza como Batman, siendo éstos producidos por una división militar secreta de las Industrias Wayne. De hecho muchas veces se ha pensado en batman como un meta-humano ( un humano con poderes, por ejemplo flash), debido a que su inteligencia y poder de invención va más allá de toda lógica, la mayor parte del tiempo. pero batman no es ningún meta-humano ( al menos DC nos ha dicho que no por ahora) sino una persona con gran capacidad de deducción y una gran inteligencia. A través de los años ha acumulado un gran arsenal de artefactos especializados (compárese con James Bond). El diseño de la mayoría del equipo que utiliza Batman comparte un color oscuro y un diseño "murcielaguesco". Un ejemplo de esto es el automóvil de Batman, el Batimovil, frecuentemente presentado como un auto negro con largas aletas que parecen alas de murciélago; otro ejemplo es una de sus armas más conocidas, el "batibúmerang", un búmerang con forma de murciélago. Batman ya no usa el prefijo "bati" al referirse a sus artefactos. El programa de televisión de acción en vivo de los años 60 incluía nombres tan ridículos como "baticomputadora", "baticuerda" y "batiradar". Los detalles del traje de Batman han cambiado repetidamente a lo largo de la evolución del personaje, pero los elementos característicos no han cambiado: una capa negra, una capucha negra que cubre casi toda su cara, con un par de orejas puntiagudas que parecen las de un murciélago y un emblema de murciélago estilizado en el centro de su pecho. Las variaciones más notables en el traje incluyen un emblema de murciélago con un fondo elíptico amarillo vs. el emblema sin color de fondo, colores claros (azul y gris claro) vs. colores oscuros (negro y gris oscuro), un cinturón de utilidades abultado vs. un cinturón delgado, orejas largas vs. orejas cortas. El desarrollo de Kevlar, Spectra y otros tipos de blindaje corporal ha causado que los creadores modernos hagan el traje o partes del traje de Batman a prueba de balas. En el trabajo seminal de Frank Miller El Caballero Negro Vuelve, Miller explica que la elipse amarilla alrededor del emblema de murciélago sirve como blanco para que las balas sean disparadas a ese lugar, donde el blindaje es más grueso. Batman mantiene sus armas en una de las partes más reconocidas de su traje, un cinturón de utilidades amarillo. A lo largo de los años ha contenido artículos como explosivos plásticos, toxinas nerviosas, batibúmerangs, bombas de humo, herramientas para cortar y una pistola que dispara un gancho magnético unido a una cuerda para colgarse de ciertos lugares, entre otras cosas. En sus primeras apariciones, Batman usaba armas de fuego (véase Detective Comics #32, septiembre 1939), pero ha evitado su uso dada la forma en que murieron sus padres. Algunas historias han permitido que Batman use armas de fuego en sus vehículos para poder desarmar otros vehículos o para destruir obstáculos inanimados como paredes. Algunos apodos para Batman incluyen el Caballero Negro o el Caballero Oscuro, el Justiciero Enmascarado y el Mejor Detective del Mundo, a sí mismo batman se refiere a sí mismo como el "bogey-man" o el cuco en su traducción al español. Batman es un brillante detective, científico, táctico y comandante. Sus historias más duraderas y populares son la mayoría y casi sin excepción en las que despliega inteligencia, ingenio y anticipación para ganar no solo en el combate, sino también en inteligencia a sus enemigos. Sus habilidades deductivas lo ponen a la par con Sherlock Holmes. Batman es la mente maestra detrás de la Liga de la Justicia, ofreciendo su mente y habilidades tácticas para guiar el poder de los demás miembros del equipo. En esta capacidad, Batman es visto como la antítesis de Superman; en los cómics recientes, los dos comparten una incómoda amistad. También ha formado parte de otros equipos brevemente, incluyendo un no muy duradero equipo que él fundó en los años 80 llamado The Outsiders o Los Marginales. Batman en otros mediosSeries televisivasSi bien ya se habían filmando al menos un par de seriales a principios de siglo con el personaje como protagonista tanto en la era silente como en la incipiente sonora del cine, este trascendió las fronteras del comic gracias a la teleserie en los 60, con Adam West como Batman. En ella se ofrecía una visión colorista, desenfadada y desmitificadora del personaje, pero se convirtió en un icono Pop gracias al sentido del humor de los capítulos y al concurso de actores conocidos en roles secundarios, entre los que sin duda destaca Bruce Lee como Kato del Avispón Verde. Durante el 2000 hubo una corta serie llamada Birds of Prey, que no se centraba en Batman sino en algunos de sus personajes secundarios, en particular la Cazadora. PelículasInspiradas en parte por estas dos oscuras obras de Frank Miller, Tim Burton dirigió las dos primeras superproducciones cinematográficas sobre el personaje: Batman (1989) y Batman Returns (1992), aunque se centraron más en los personajes villanos que en el propio hombre murciélago y consistieron vistosas exploraciones del universo visual y de la estética propia de Burton más que del hombre murciélago. Las siguientes películas de la franquicia (Batman eternamente, de 1994 y Batman y Robin, de 1997), ambas dirigidas por Joel Schumacher, recuperaban la iconografía pop de la teleserie de los 60 procurando enganchar en un ambiente de ambigüedad sexual y hasta de auto parodia, no tuvieron el mismo éxito. En 2005 se estrenó Batman Begins, que dirigida por Christopher Nolan y guionizada por David S. Goyer, pretendía contar desde cero la historia del personaje, mostrando una versión más próxima a la vertiente oscura del cómic a la vez que plausible y contemporánea. En esta película el tandem Wayne/Batman es encarnado por el actor británico Christian Bale. Las opiniones acerca de la película están aún divididas, aunque resultó ser un gran éxito en taquillas, por lo tanto habrá que esperar para ver si se alcanzó el objetivo trazado inicialmente. Actualmente se ha confirmado a Christopher Nolan para dirigir su secuela. Es posible que el actor Heath Ledger interprete el papel de The Joker ( El Guasón) en la secuela. Desde 1990 en adelante también se realizaron varios cortos independientes acerca del personaje. Realizadores como Sandy Collora, Aaron Schoenke o Juanjo Martínez entre otros, hicieron sus propias interpretaciones del hombre murcielago. En la actualidad , Fernando Benítez esta trabajando en una nueva película del Hombre Murciélago. Series animadasEn la época de la exitosa serie televisiva Batman apareció también en la serie animada "Los Súper Amigos" (basada en la Liga de la Justicia), y una propia con un estilo similar Para muchos de los fans del personaje la mejor versión del personaje en medios audiovisuales fue la de Batman: La serie animada creada por Bruce Timm y Paul Dini para la Warner Bros. Representación que destacaba por su tenebrismo, sus decorados casi de estilo Art Decó y el trazo minimalista, geométrico y oscurantista; además de un tratamiento maduro y serio de los temas propuestos. Sin olvidar las más recientes apariciones en Batman: Gotham Knights que viene siendo la misma serie animada pero en un espacio de tiempo donde muchas cosas han cambiado no solo para Batman sino que para todos los habitantes de Gotham; y las series Liga de la Justicia y Liga de la Justicia Ilimitada. En estas últimas comparte el programa con muchos otros super héroes, y si bien es el "líder" al ser el más capacitado para decidir los cursos de acción, reparte su tiempo entre el grupo y su cruzada personal. No acude a los llamados si considera que no se trata de algo importante, y rechaza participar de las situaciones mediáticas. También existe una versión del personaje llamada Batman Beyond (En Estados Unidos) y Batman of the Future (Latinoamérica); en esta serie Bruce Wayne es un anciano oscuro y amargado, ayudando por radio al nuevo Batman, Terry McGinnis. Recientemente apareció una nueva serie animada de Batman, llamada simplemente The Batman. Apareció poco después que Batman Begins, y acorde al estilo de la misma, presenta a Batman al principio de su carrera, combatiendo a villanos clásicos que también son presentados al inicio de las mismas. Esta serie es contemporánea de Liga de la Justicia Ilimitada, pero no está situada en el mismo universo de ficción, por lo cual esta última sufrió una medida que, si bien le permite utilizar a Batman, no le permite utilizar a ninguno de sus villanos o personajes secundarios. Curiosamente, la Cazadora no fue alcanzada por esa medida, aunque no se la utilizó de todas formas en "The Batman", ni tampoco se le mencionó ninguna relación especial con Batman en JLU. Aliados de BatmanAunque es un personaje solitario por naturaleza, Batman posee numerosos aliados: además de Alfred Pennyworth, su mayordomo, hay que destacar la figura de Robin, el chico maravilla, personaje de menor edad entrenado por Batman, y que hasta el momento ha sido personificado por tres jóvenes: el primero fue Dick Grayson, que al hacerse adulto abandonaría esa identidad para convertirse en otro superhéroe llamado Nightwing; el segundo fue Jason Todd, quien murió asesinado por el Joker para luego regresar gracias a las ondas de alteración de realidad creadas por Superboy Prime y que ha tomado el nombre de Red Hood; actualmente, Robin está encarnado por Tim Drake. Nota aparte merece Stephanie Brown, hija del villano Cluemaster, que tomo el manto de Robin por unos cuantos números, para darle celos a Tim. Steph ya tenía su carrera contra el crimen como Spoiler, y sorprendentemente, Batman la acepta como Robin, justamente en un momento en que Tim dudaba sobre su papel como el Joven Maravilla. Stephanie muere al final de "War Games" ("Juegos de Guerra", 2004-5), luego de ser torturada por Black Mask. Otro apoyo del hombre murciélago es el comisario James Gordon, su enlace con la policía de la ciudad. Un caso especial es la sensual Catwoman, la ladrona de guante blanco Selina Kyle que en ocasiones ha sido enemiga, pero también amante, de Batman. Barbara Gordon alias Oráculo, ayuda a Batman con informaciones desde la internet; ella es actualmente la novia de Dick Grayson/Nightwing y fue la primera Batgirl hasta que el Joker la dejó paralítica al dispararle dos veces en la columna vertebral. Helena Bertinelli, la Cazadora, es una vigilante de Ciudad Gótica de un estilo más violento que el de Batman, el cual no apoya sus acciones e intenta que abandone sus actividades. Se debe realizar una mención especial a Jean Paul Valley, antiguamente Azrael, que fue elegido por Bruce Wayne para seguir adelante con el rol de Batman cuando Bane le rompió la espalda. Jean Paul utilizó un estilo mucho más violento y brutal con los criminales, cambió su uniforme por una armadura, lesionó gravemente o incluso mató o dejo morir a diversos criminales; por lo cual Wayne se vio forzado a ponerse en forma nuevamente y derrotarlo. Enemigos de Batman
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| Dark City | |
 IMDB  7.6/10 (29,757 votes) | |
|---|---|
| Directed by | Alex Proyas |
| Produced by | Alex Proyas Andrew Mason Michael De Luca Brian Witten |
| Written by | Alex Proyas Lem Dobbs David S. Goyer |
| Starring | Rufus Sewell William Hurt Kiefer Sutherland Jennifer Connelly |
| Music by | Trevor Jones Pablo Beltrán Ruiz François Perchat Ben Weisman |
| Cinematography | Dariusz Wolski |
| Editing by | Dov Hoenig |
| Distributed by | New Line Cinema |
| Release date | February 27, 1998 |
| Running time | 100 minutes |
| Country | Australia / USA |
| Language | English |
| Budget | $27,000,000 |
| IMDb profile | |
Dark City is a 1998 film written by Alex Proyas, Lem Dobbs and David S. Goyer, and directed by Proyas. It stars Rufus Sewell, William Hurt, Kiefer Sutherland, and Jennifer Connelly. While not a box office hit, it has a considerable reputation. Film critic Roger Ebert is a well-known fan of the movie, having rated it with four stars out of four[1] and naming it the best film of 1998.[2] Ebert uses it in his teaching, and also appears on a commentary track for the DVD.
The story begins with a man waking in a hotel room with no memory, which soon proves to be but one of many troubles. He is being sought by police, who believe him to be a serial killer, and also by a group of mysterious men with psychokinetic powers. Furthermore, something appears to be wrong with the world at large: time, memory, and identity behave in unusual ways. The film is dedicated to the memory of Dennis Potter, which may be considered a useful indicator of the style of the story. The style of the film might also be said to owe something to Expressionism and film noir, and may be considered neo-noir.
Plot
Note: At the request of studio executives, the movie begins with a voice-over narration that gives away several key plot twists. Some fans prefer to watch the opening minutes (until Keifer Sutherland's first onscreen appearance) with the sound off in order to get around the studio-ordered narration and the plot details it gives away.
John Murdoch (played by Rufus Sewell) wakes up in a bathtub at a hotel, having lost all of his memory, including who he is. He receives a phone call from Dr. Daniel Schreber (played by Kiefer Sutherland, in an apparent homage to the style of his father Donald Sutherland) urging him to leave the hotel immediately. According to Schreber, a group of men (who may not actually be humans), referred to in the movie as The Strangers, are coming to the hotel to find Murdoch. Murdoch escapes them, and shortly afterwards finds out his name and that he has a wife named Emma (played by Jennifer Connelly). Unfortunately, he also finds out that he is wanted for a string of serial killings, which he has no memory of and does not have the urge to commit.
He also starts to find strange things happening around the city, all of which seem to have some connection to The Strangers. For instance, whenever the clock strikes midnight, everyone in the city falls into a comatose state simultaneously and it is impossible to wake them, it is always night, and it seems to be impossible to leave the city. Apparently, Murdoch was raised at a seaside resort named Shell Beach, a place that everyone seems to know despite being unable to remember how to get there. Strangest of all, Murdoch has some sort of psychokinetic power, which the Strangers also seem to have.
Meanwhile, police inspector Frank Bumstead (played by William Hurt) is investigating the serial killings of which Murdoch is suspected. Bumstead's colleague who worked on the case before was apparently driven mad by something he discovered, and Bumstead soon begins to suspect that Murdoch is not guilty, but the victim of some plot. Murdoch is also being sought by Mr. Hand (played by Richard O'Brien), a Stranger who absorbs the memories Murdoch has "lost" (in truth, those of the serial killer that he is suspected of being) in order to track him. Unusual amongst the Strangers, Mr. Hand desires to experience life as a human through Murdoch's memories, but merely ends up manifesting the homicidal rage that comes from the memories of a serial killer.
As he is pursued by the Strangers, Murdoch witnesses the true nature of the city. At midnight, while everyone else is unconscious, the Strangers use their collective power to alter the very landscape of the city; growing buildings out of the ground while dissolving other buildings out of existence, transforming slum tenements into mansions and vice versa, and injecting some of the citizens with fresh new memories, often transforming them into entirely different people.
Murdoch and Bumstead eventually meet, confront Dr. Schreber, and force him to reveal that the city is a vast experiment conducted by the alien Strangers, designed to reveal an aspect of humans that the Strangers lack and need to survive (hinted at being the nature of the human soul). The Strangers are in fact a dying race of alien parasites, who use human corpses as vessels. In their experiments they put the entire city to sleep and, with Schreber's help, manipulate the memories of the citizens in an attempt to learn about nature and nurture. Occasionally, however, people wake up during the process and are left without memories. This is what happened to Murdoch.
Murdoch, Bumstead, and a reluctant Schreber make their way to Shell Beach, which turns out to be nothing more than a fake beach painted on the brick wall that makes up the impenetrable edge of the city. An enraged Murdoch proceeds to tear the wall apart, only to discover the cold void of space beyond it. At this point the group is confronted by Strangers led by Mr. Hand, who holds Emma hostage.
Bumstead attacks the Strangers and is killed when, in the ensuing struggle, he and one of the Strangers are sucked out into space. Bumstead is seen flying out into space at the edge of the city, revealing it to be a giant space station protected by a force field. The Strangers then capture Murdoch, and attempt to have Dr. Schreber overwrite Murdoch's memories with their own collective memory in order to "share his soul". However, Schreber manages to imprint Murdoch with a different set of memories, which teach him about his ability to shape reality just like the Strangers. Murdoch's newfound mastery of his ability allows him to easily overpower the Strangers, culminating in a massive psychokinetic battle between Murdoch and the Stranger leader, Mr. Book, in the skies high above the Dark City. Murdoch defeats Mr. Book, and uses his power to turn the city towards the sun which the space station is orbiting, bringing sunlight to the city for the first time and causing the surviving Strangers (including a recalcitrant Mr. Hand) to flee into the darkness. Murdoch also "recreates" Shell Beach by flooding water out of the edge of the city so that it pools in the city's force field. He then seeks out Emma, who (due to a memory change by the Strangers) is now called Anna, and no longer has any memories of having been Murdoch's wife. However, Murdoch decides to meet her again for the first time, and make new memories together.
Similarities to other works
The film's style is often compared to that of the works of Terry Gilliam (especially Brazil), and there have been many comparisons between it and The Matrix, which was released one year after Dark City and reused some of its sets (in fact, the set where Murdoch flees the Strangers on the rooftop is used at the begining of The Matrix when Trinity runs from the Agents). One scene, in which Murdoch looks out a window into an alley to view an approaching Stranger, is almost identical to a similar scene in The Matrix between Trinity and an Agent; and the staircase on which Neo experiences déjà vu was previously used by Murdoch to flee Bumstead's curiosity.
Some stylistic similarities have been noted to Jean-Pierre Jeunet's 1995 film The City of Lost Children (also influenced by Gilliam's Brazil).
Fritz Lang's 1927 movie Metropolis was a major influence on the film, showing through the architecture, concepts of the baseness of humans within a metropolis, and general tone. The plot also contains many similarities to Victor Hugo's Les Misérables, Philip K. Dick's short story Adjustment Team, and Arthur C. Clarke's The City and the Stars. The random permutation of people's social identities is reminiscent of Jorge Luis Borges's short story "The Lottery in Babylon" (in Fritz Lang's Metropolis, the story of the Tower of Babel is a key theme).
References to Memoirs of My Nervous Illness by Daniel Paul Schreber (after whom character Dr. Schreber is named) can be found in the film, notably in the use of his "fleetingly-improvised men" concept. The film has also been interpreted as containing references to the Bible, with John Murdoch being an allegorical Jesus; for example, the number of the room John is in at the film's beginning — 614 — may evoke John 6:14, a biblical verse in which Jesus' followers say of him, "This is truly the Prophet who is to come into the world." Notice also the DVD cover, where Murdoch is stretched across a clock face in a manner bespeaking either crucifixion or the Vitruvian Man.
Also quite noticeable is the use of Cartesian philosophy. This tends to draw comparisons to other films made around the same time that made use of it, such as The Matrix, The Thirteenth Floor, and eXistenZ. While the idea that sensory experience could be manufactured by some form of virtual reality is not new in science fiction, Dark City addresses the (arguably more radical) question of memory. In Bertrand Russell's words, how can we be sure that "the world was not created five minutes ago, and our memories with it?"
Comparisons have been made between Dark City's villain Mr. Hand and the villain from the Matrix Trilogy, Agent Smith. Both are enforcers for the film's antagonists (the Strangers/the Machines), but both are somehow different from their otherwise homogeneous fellows. Both develop a bond with their human opponent (Hand through Murdoch's memories, Smith through Neo's code), which causes them to become more human and to develop some of humanity's worst characteristics. Subsequent movies in the Matrix Trilogy further this comparison, as the climactic fight scene in Dark City is not unlike the one seen in Revolutions.
Nor do the comparisons end there; both Matrix and Dark City concern artificial memories and habitats, and both are patrolled by faceless superpowered beings challenged when a human develops comparable powers. Comparisons have been made between scenes from the movies, making note of similarities in both cinematography and atmosphere.[3]
The Animatrix short story A Detective Story is remarkably similar to Bumstead's story arc in Dark City. In the short story, a detective is pursuing an enigmatic figure (Trinity, who like Murdoch is an "enlightened" human with knowledge of the false nature of their reality). Over the course of the investigation he learns that the previous investigators went insane or disappeared. In the end, the detective catches up with his target and learns the true nature of his world, only to die shortly thereafter.
The overlying plot of the anime The Big O also features an isolated, noir-esque city, where virtually everyone suffers from amnesia, people possess memories that are not their own, and in the end it is revealed that the city is apparently some sort of experiment, ending and resetting itself every 40 years.
The shot at the end of the movie showing "Anna" standing at the end of the dock is similar to a scene in the movie Requiem for a Dream. Jennifer Connelly is the actress standing at the end of the pier in both movies.
Soundtrack
The soundtrack for the film was released on February 24, 1998 on the TVT label.[4] It features music from the original score by Trevor Jones, and versions of the songs "Sway" and "The Night Has a Thousand Eyes" performed by singer Anita Kelsey. It also includes music by Hughes Hall from the trailer, as well as songs by Gary Numan, Echo & the Bunnymen, and Course of Empire that did not appear in the film.
Trivia
- Has one of the shortest average shot lengths of a modern film; a cut occurs in the film, on average, every 1.8 seconds.[5]
- Warner Bros., the film's copyright holder (New Line Cinema, a division of Time Warner, distributed it), objected to the title Dark City early in the film's production. They felt the title would confuse audiences with Mad City, Warner's soon-to-be-released film starring John Travolta and Dustin Hoffman, which they predicted would be a commercial hit. The filmmakers changed the title to Dark World, but the estate of Steven Spielberg threatened legal action, feeling the title was too similar to their film The Lost World: Jurassic Park. The title was then changed to Dark Empire, but legal action was again threatened, this time by Lucasfilm, who felt the title was too similar to their own well-known sci-fi film The Empire Strikes Back (and was an exact match for the Dark Empire comics that had been made about Star Wars). However, by the time the film was completed and ready for release, Warner's Mad City had come and gone from theatres and was not the hit they hoped it would be, and the filmmakers were allowed to use their original title.
Technical data
- working titles: Dark Empire, Dark World
- writing credits: Alex Proyas, Lem Dobbs, David S. Goyer
- music: Trevor Jones
- runtime: 100 minutes
- sound: Dolby Digital / SDDS
- aspect ratio: 2.35 : 1
- release date: February 27, 1998 (USA)
- budget: $27,000,000
- total gross (USA): $14,378,331
- distributor: New Line Cinema
- MPAA rating: R
El viaje de Chihiro
("Sen to Chihiro no Kamikakushi")
Studio Ghibli. Estreno en Japón: Julio 20 de 2001
La Historia
Esta película nos muestra un viaje mágico a un sitio misterioso lleno de magia en donde cualquier cosa podría ocurrir.
En el Japón actual, una niña llamada Chihiro y sus padres se mudan a un nuevo hogar. En el camino se extravían y por medio de un misterioso túnel se ven transportados a un mundo diferente.
En este sitio, Chihiro debe enfrentarse a una poderosa bruja que ha transformado a sus padres en cerdos. Así mismo, Chihiro debe recuperar su verdadero nombre para poder regresar al mundo real y así superar sus miedos.
Para lograr su objetivo, Chihiro contará con la ayuda de Haku, un joven que ha olvidado su nombre y que le ayudará a encontrar su camino. Además, durante la aventura conocerá a personas y seres que le enseñarán a conocerse a ella misma y a descubrir el valor de la amistad y de los lazos del amor de la familia.
Personajes
Chihiro Ogino (Sen)
Personaje principal de la película. Es una niña de 10 años algo consentida, que al verse separada de sus padres en el mundo fantástico al que llega debe aprender a valerse por sí misma para descubrir su verdadera fuerza
"Chihiro" significa "Mil brazadas de agua". "Sen" (el nombre que le asigna Yubaba) significa solamente "mil". La palabra "Chi" usa el mismo kanji que "Sen", por lo que en realidad "Sen" también es parte del nombre original "Chihiro".
Haku
Es un chico que ha perdido su verdadero nombre, y que vive y trabaja en el mundo místico al parecer bajo las ordenes de la bruja Yubaba. Sin embargo, se hace amigo de Chihiro e intenta ayudarla para que regrese a su mundo.
"Haku" significa "blanco".
Yubaba
Es una bruja de fuerte temperamento que dirige la posada en donde se desarrolla gran parte de la historia. Aunque al parecer es algo codiciosa, los sentimientos de ella salen a flote cuando se trata de proteger a su hijo Bu.
Zeniba
Es la hermana gemela de Yubaba, y aunque físicamente son iguales, sus personalidades son totalmente opuestas. Zeniba es gentil, dulce y generosa y orienta sabiamente a Chihiro sobre lo que debe hacer para regresar a su mundo.
Kaonashi
Es el misterioso personaje que sigue a Chihiro a todas partes y la acompaña durante parte de su viaje. Nunca se ve su verdadero rostro (siempre oculto tras la máscara) y sus palabras no pasan de un sencillo "Ah".
Akio y Yuuko Ogino
Los padres de Chihiro. Akio tiene 38 años y es un padre descomplicado y confiado. Tras comer la comida que estaba destinada a los dioses del lugar es transformado en cerdo.
Yuuko es un ama de casa normal, ocasionalmente contradice a su esposo, pero siempre tiende a buscar una solución adecuada para todos en la familia.
Apreciación
Sen to Chihiro puede verse como una historia fantástica, en donde vemos a una niña viajar a un mundo mágico para vivir ciertas aventuras y regresar al mundo real.
Sin embargo, las películas de Studio Ghibli son muy especiales en cuanto a que siempre incluyen elementos que permiten lecturas más profundas, más allá de una simple historia. Y es esta misma lectura profunda y a menudo inexpresable la que nos hace sentir que estamos viendo una película muy especial.
Intentaré realizar una aproximación bastante general a los elementos claves en la interpretación de Chihiro, teniendo en cuenta que pueden existir tantas interpretaciones como espectadores hay, y que cada quien puede enriquecer esta lectura con sus propias experiencias y apreciaciones:
Chihiro representa al espíritu infantil que todos llevamos dentro, representa esa capacidad de soñar y de vivir las fantasías que tenemos cuando somos niños. Cuando ella se ve amenazada por un cambio aparentemente común, pero de gran significado en su vida, la niña siente temor y busca evitarlo. Dejar atrás a los amigos y el mundo en el que se ha vivido para enfrentarse a uno nuevo no es fácil cuando se tienen 10 años y toca dejar tantos recuerdos y amigos para vivir en otro pueblo.
Es por eso que el mundo de fantasía se convierte en un escape emocional al cual se recurre para evitar el cambio. Pero durante el viaje, la protagonista encuentra que igualmente ese mundo fantástico tiene dificultades, por lo cual debe enfrentarse a las adversidades. Al enfrentar sus miedos y superarlos, se adquiere la fuerza en el espíritu y la madurez necesaria para enfrentarse a los cambios en el mundo real. Así mismo, se aprende acerca de la amistad y de los lazos profundos que unen a las personas más allá de las formas físicas. Sobrevivir a este viaje significa sobrevivir al mundo real y Chihiro pudo enfrentarse a todo esto.
En la película también se puede ver algo muy recurrente a diversas culturas alrededor del mundo: el poder de la palabra. El cambio de nombres que realiza Yubaba a las personas para tenerlas bajo su control evidencia claramente esto. Sin un nombre propio, la persona pierde la identidad de su ser y la fuerza de su espíritu se ve seriamente amenazada. En el mundo real, no hablamos exactamente de brujas que nos quitan nuestros nombres, sino de muchos peligros que nos pueden arrebatar nuestro ser, llevándonos a olvidar nuestra esencia, y cuando sucumbimos ante ellos perdemos el rumbo de nuestras vidas. Por eso es tan importante recordar nuestro nombre (nuestra esencia), ya que si nos acostumbramos a otra cosa (como casi le pasa a Chihiro al acostumbrarse a ver sus padres convertidos en cerdos), perderemos nuestra fuerza para enfrentarnos al mundo.
Sen to Chihiro nos puede mostrar, como metáfora, una advertencia: tener cuidado de no olvidar lo que somos, quiénes somos, y dónde estamos, ya que si olvidamos nuestras raíces podemos ser absorbidos por un mundo al que no pertenecemos y debilitarnos en él.
En palabras del propio Hayao Miyazaki al explicar su película:
"En una era en la que no hay fronteras, las personas que no tienen un lugar propio no serán tomadas en serio. Un lugar es pasado y es historia. Y una persona sin historia que haya olvidado su pasado se desvanecerá como la nieve, o se convertirá en una gallina que sólo puede poner huevos para que otros los coman".
Y sin embargo, debemos tener en cuenta algo importante que también se desprende de la película: el mundo de fantasía no es malo en sí mismo, y tampoco hace daño estar en él. Tanto la fantasía, como las adversidades que nos presenta el mundo, son hechos necesarios que aunque no nos gusten sirven para fortalecernos y madurar. Y el acto de crecer y abandonar el mundo de fantasía, no significa necesariamente olvidar los sueños y la magia: las experiencias vividas quedan en nuestro interior enriqueciéndonos grandemente ("Tú no olvidas lo que sucedió. Es sólo que no puedes recordarlo" - Zeniba).
Variaciones sobre esta misma preocupación de crecer y enfrentase a la transición del mundo de fantasía al mundo real, y de aferrarse a los sueños, son exploradas en otras películas de Ghibli, especialmente en "El Castillo de Howl" (del cual ya se ha publicado una artículo aquí en Cristalab), y en "Susurros del Corazón" (Mimi o Sumaseba).
Datos Adicionales
De acuerdo a Miyazaki Chihiro no recuerda lo que pasó en el mundo de fantasía, pero tampoco fue un sueño. Evidencia de esto son las hojas en el automóvil. Otra evidencia es la banda para el cabello que Zeniba le obsequia a Chihiro.
"Chihiro" significa "Mil brazadas de agua". Y la palabra "Sen" significa solamente "mil". La palabra "Chi" usa el mismo kanji que "Sen", por lo que en realidad "Sen" también es parte del nombre original "Chihiro".
"Haku" significa "blanco".
En la casa de Yubaba una lámpara saltarina da la bienvenida a Sen y compañía. Esta lámpara la diseñaron al estilo de la que usa Pixar como logo, y fue un homenaje a John Lasseter, quien por medio de Pixar ha brindado mucha colaboración a Ghibli.
Hayao Miyazaki anunció su retiro como director tras terminar esta película. Pero su compromiso con hacer películas lo llevó a dirigir después "El Castillo de Howl".
Se estima que los costos de producción superaron los 1.900 millones de Yens. Dinero que pusieron Tokuma Shoten, Studio Ghibli, y Buenavista (la empresa de Disney que distribuye las películas de Ghibli alrededor del mundo). En su momento fue la película más cara hecha en Japón, y superó en taquilla a Mononoke (record que después sería superado por otra película de Ghibli: Howl).
Aparte del Oscar Sen to Chihiro ganó cerca de 30 premios internacionales más alrededor del mundo en festivales y exhibiciones desde su estreno hasta el año 2003.
La Pantera Rosa
La pantera rosa
Nacimiento
El nacimiento de la pantera rosa fue casi una casualidad. En la película original titulada La pantera rosa de Blake Edwards, la pantera rosa, en realidad, era un diamante de gran valor y, por extensión, un ladrón de guante blanco que había logrado sustraerlo.
Como personaje animado, la propia pantera rosa nace en esa primera película, cuando se recurrió a una animación para ilustrar el título y los créditos iniciales y finales de la película. Edwards encargó al prestigioso animador Fritz Freleng (el creador de Bugs Bunny) que crease un dibujo animado y sólo le pidió tres cosas: que resultara graciosa, que fuese de color rosa y que fuese muda.
La Película
La película fue estrenada el 20 de marzo de 1963 y el dibujo animado de los créditos había llamado tanto la atención que, no mucho después, el 27 de abril de 1963, el dibujo ocupó la portada de la prestigiosa Times. Esto llevó a los productores a plantearse la viabilidad del personaje como dibujo animado independiente de la película.
Se hizo un cortometraje de animación con la pantera como protagonista titulado The Pink Phink. Fue estrenado el 18 de diciembre Fue todo un éxito y ganó, a pesar del corto intervalo entre su estreno y la ceremonia de los Oscar celebrada el 13 de abril de 1964, el corto se hizo con el Oscar al mejor cortometraje animado. El corto era, en realidad, el capítulo piloto para la serie de animación La pantera rosa (Pink Panther).
Todas las películas, series de animación, cómics y demás que vienen después de la primera película tienen varias cosas en común:
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- Los argumentos, personajes, caracterización de personajes, etc. tienen que ser coherentes con la biblia creada por Blake Edwards y Maurice Richlin, que se basa en el guión de la primera película.
- El dibujo animado es adaptado del diseñado por Fritz Freleng para los créditos de la primera película.
- El tema musical principal es la celebre canción de Henry Mancini.
Películas
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- La pantera rosa (The pink panther, 1963) de Blake Edwards.
- El nuevo caso del inspector Clouseau (A shot in the dark, 1964) de Blake Edwards. En algunos países de habla hispana, como Uruguay, el título se tradujo como Un disparo en las sombras.
- El regreso de la pantera rosa (The return of the pink panther, 1975) de Blake Edwards.
- La pantera rosa ataca de nuevo (The pink panther strikes again, 1976) de Blake Edwards.
- La venganza de la pantera rosa (Revenge of the pink panther, 1978) de Blake Edwards.
- Tras la pista de la pantera rosa (Trail of the pink panther, 1982) de Blake Edwards. (Sellers, muerto en 1980 aparece en escenas que habían sido descartadas de las otras películas, etc).
- La maldición de la pantera rosa (A Curse of the pink panther, 1983) de Blake Edwards. Aunque en alguna que otra escena aún aparece Sellers (escenas de archivo), se intenta buscar un sustituo del inspector Clouseau. Se crea el personaje de un primo americano de Clouseau.
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- Inspector Clouseau (Inspector Clouseau, 1968) de Bud Yorkin. Alan Arkin daba vida al inspector Clouseau. Hasta 2006, Arkin sería el único actor que interpretara al inspector Clouseau además de Peter Sellers.
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- Roberto Benigni - Blake Edwards
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- El hijo de la pantera rosa (Son of the Pink Panther, 1993) de Blake Edwards. (1993). Para retomar la saga, se inventan un hijo del inspector Clouseau al que no se ha hecho referencia en ninguna entrega anterior. Este será interpretado por Benigni. No obstante, la cosa quedará como una única película, sin que se retome la saga.
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- La pantera rosa (The pink panther, 2006) de Shawn Levy.
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El personaje animado
La pantera rosa se puede definir como un gentleman (caballero con clase) británico, elegante hasta en el último de sus gestos.
Series de animación
- La pantera rosa (Pink Panther, 1964). El piloto de la serie The Pink Phink ganó el Oscar.
- La pantera rosa (The pink panter show, 1969) de NBC. Aunque la serie dejó de emitirse en 1971, en 1998 (casi tres décadas después) se emitió un especial navideño titulado A Pink Christmas.
- La pantera rosa (Pink Panther) Emitidos en ABC entre 1978 y 1979 (en total 36 capítulos).
- La pantera rosa. En 1982 se estrenó una nueva serie (en total 32 nuevos episodios) en que los que la pantera rosa ¡habla!, con lo que personaje queda desvirtuado. Le ponen una voz masculina (en el original Matt Frewer), porque el personaje de la pantera rosa se supone que es masculino. Esto se debe a que la palabra panther en inglés carece de la denotación de género que tiene en español.
- La pantera rosa y sus hijos (The pink panther and sons, 1984). Spin-off. La descendencia de la pantera rosa la componen tres hijos.
- En 1988, Fritz Freleng creó 25 nuevos cortometrajes de La pantera rosa para celebar sus bodas de plata.
- El nuevo show de la pantera rosa (The new show of pink panther) de 1993.
Juegos
- La pantera rosa además de dibujos animados ha sido la protagonista de numerosos comics y videojuegos.
Por ejemplo, para PC, en 1996, la Metro Goldwyn Mayer lanzó el juego titulado La Pantera Rosa en misión peligRosa.
Más tarde salió un segundo juego que se tituló La Pantera Rosa: Abracadabra Rosa.
Curiosidad
- La pantera rosa (el dibujo) cuenta con su propia estrella en las que están impresas sus huellas en el Boulevard de la fama de Hollywood, frente al Teatro Chino. (La estrella le fue concedida en 1999).
- La cadena Cartoon Network se hizo en 1997 con los derechos de varias de las series y, desde entonces, las está reponiendo, tanto en Estados Unidos, como en otros países en los que tiene presencia.
Nieves Concostrina
| Nieves Concostrina | ||
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Nieves Concostrina (Madrid, 1961) es periodista y escritora. Se forjó profesionalmente en el desaparecido “Diario 16” entre 1982 y 1997, trabajando con posterioridad en televisión (Antena 3 y Vía Digital) a las órdenes de Jesús Hermida, Mercedes Milá y Pepe Navarro.
Para que os hagáis una idea, aquí os dejo un texto extraido de su página:
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Mitos de Cthulhu
Éste es, uno de mis libros preferidos, y es que me encanta la literatura de terror.
Los mitos de Cthulhu constituyen un ciclo de literatura de terror fantástico atribuido de forma generalista a Howard Phillips Lovecraft, pero que en realidad cobró forma con las generaciones posteriores de escritores de terror y ciencia ficción. Convierte el horror clásico de fantasmas y seres inmateriales en un terror material, en una suerte de terror psicológico completamente irracional . Así, las divinidades de pueblos casi desaparecidos resultan ser entidades alienígenas blasfemas y habitualmente irracionales que luchan y compiten en ciclos de destrucción frente al hombre, el cual se eleva cual humillado mosquito atrapado en melaza sólo pudiendo ser espectador de su propia muerte.
Tienen muchísima aceptación popular algunas de sus invenciones, que algunos han llegado a considerar productos reales: el Necronomicón (Lovecraft jugó con la etimología del nombre:el libro de los muertos, la imagen de la ley de los muertos,...) cuyo título original era Al Azif (Zumbido de mosquitos), incluso llegó a tener ficha en la Biblioteca General de la Universidad de California y apareció en anuncios de venta de libros, Cthulhu (primigenio alienígena encerrado en las profundidades marinas), Nyarlathotep (el mensajero del estúpido y horrible dios supremo Azathoth), los profundos (hombres batracio de las profundidades marinas).
Creación
Lovecraft nunca sistematizó los Mitos, sino que solo creo un grupo de seres, e historias detrás de estos, como trasfondo de sus historias. El mismo llamo a esto un a pseudo-mitología. El jamás hizo que la dicotomía bien-mal formara parte de sus historias, y siempre se centro en el hecho de que todo lo humano, sus acciones, pensamientos y sentimientos no tenían ningún valor en la inmensidad del universo, y pocos o ninguno de los seres que en él existen reparan en la humanidad.
Fue principalmente Augusth Derleth quien trató de clasificar a todos los seres que lo poblaban. Él creó a los Dioses Arquetipicos, y según su clasificación y sistematización de los mitos, fue por la batalla contra estos por lo que Azathoth fue privado de inteligencia, al encabezar la rebelión contra ellos. Trató de representar el concepto judeocristiano de la lucha Dios-Diablo. Muchos fans de los Mitos desprecian esta clasificación por considerar que priva de parte del horror intrínseco de los relatos de Lovecraft y totalmente innecesaria ya que este jamás quiso algo semejante en su obra.
Estructura
Los seres que integran los mitos se separan principamlmente en tres tipos: Primogénitos, Dioses Arquetipicos y las llamadas razas menores. A pesar de ser el ser más conocido de las historias, y el más venerado, Cthulhu no es el ser más poderoso de los muchos que hay.
Los mitos suelen centrarse en los primogénitos. Estos son seres extraterrestres, inmortales y de gran poder. La mayor parte duermen o están atrapados. Aunque hay algunos en la tierra, hay cientos(sino miles), repatidos a través del universo.
Los Dioses Exteriores son menos comunes en las historias, aunque algunos son comúnmente mencionados, especialmente Shub-Niggurath. Su poder es inmenso e inimaginable, y su existencia trasciende el tiempo y el espacio.
Las razas menores son seres mucho más comunes, que exiten en todo el universo, hay una infinita variedad, de estos, y solo en la tierra se pueden encontrar docenas de razas diferentes ocultas al humano. Algunas son servidoras de algún primogénito o dios exterior, pero muchas otras no son fieles a ninguno de estos, aunque muchas veces veneran a alguno
Influencia
El mundo de los llamados Mitos de Cthulhu que engloba a estos y a las llamadas tierras de Lovecraft (triángulo imaginario creado por Lovecraft y situado en Nueva Inglaterra, constituido por los pueblos de Arkam, Innsmouth y Dunwich) dio paso a principios de los ochenta a la creación del juego de rol llamado La Llamada de Cthulhu. En el se da cabida a todos los elementos constituyentes de la mitología y obras tanto de Lovecraft como de sus colaboradores. Estos elementos son los seres o criaturas de los Mitos, personajes investigadores que intentan frustrar los planes de los malvados cultistas o seguidores de las citadas criaturas y numerosos artefactos mágicos, libros de hechizos y lugares ambientados en las Tierras de Lovecraft y otras partes del mundo.
El cuervo
El cuervo (The raven en inglés) es la composición poética más famosa de Edgar Allan Poe. Fue escrito en 1845. El poeta describe la angustia que le produce la muerte de su amada. Esa angustia la encarna un negro cuervo que, tras ser interrogado, responde una y otra vez: Nunca más, «Nevermore».
Poema de ritmo obsesivo en el que la angustia se va apoderando del lector, lleno de rimas internas, la aliteración obsesiva de la erre va produciendo un desasosiego parecido al que produciría el roce de las alas de un cuervo al invadir nuestra vida cotidiana.
Han sido varias las traducciones que se han intentado de este poema al español, sin que ninguna haya podido considerarse definitiva hasta la fecha.
Cierta noche aciaga, cuando, con la mente cansada,
meditaba sobre varios libracos de sabiduría ancestral
y asentía, adormecido, de pronto se oyó un rasguido,
como si alguien muy suavemente llamara a mi portal.
"Es un visitante -me dije-, que está llamando al portal;
sólo eso y nada más."
¡Ah, recuerdo tan claramente aquel desolado diciembre!
Cada chispa resplandeciente dejaba un rastro espectral.
Yo esperaba ansioso el alba, pues no había hallado calma en mis libros,
ni consuelo a la pérdida abismal
de aquella a quien los ángeles Leonor podrán llamar
y aquí nadie nombrará.
Cada crujido de las cortinas purpúreas y cetrinas
me embargaba de dañinas dudas y mi sobresalto era tal
que, para calmar mi angustia repetí con voz mustia:
"No es sino un visitante que ha llegado a mi portal;
un tardío visitante esperando en mi portal.
Sólo eso y nada más".
Mas de pronto me animé y sin vacilación hablé:
"Caballero -dije-, o señora, me tendréis que disculpar
pues estaba adormecido cuando oí vuestro rasguido
y tan suave había sido vuestro golpe en mi portal
que dudé de haberlo oído...", y abrí de golpe el portal:
sólo sombras, nada más.
La noche miré de lleno, de temor y dudas pleno,
y soñé sueños que nadie osó soñar jamás;
pero en este silencio atroz, superior a toda voz,
sólo se oyó la palabra "Leonor", que yo me atreví a susurrar...
sí, susurré la palabra "Leonor" y un eco volvióla a nombrar.
Sólo eso y nada más.
Aunque mi alma ardía por dentro regresé a mis aposentos
pero pronto aquel rasguido se escuchó más pertinaz.
"Esta vez quien sea que llama ha llamado a mi ventana;
veré pues de qué se trata, que misterio habrá detrás.
Si mi corazón se aplaca lo podré desentrañar.
¡Es el viento y nada más!".
Mas cuando abrí la persiana se coló por la ventana,
agitando el plumaje, un cuervo muy solemne y ancestral.
Sin cumplido o miramiento, sin detenerse un momento,
con aire envarado y grave fue a posarse en mi portal,
en un pálido busto de Palas que hay encima del umbral;
fue, posóse y nada más.
Esta negra y torva ave tocó, con su aire grave,
en sonriente extrañeza mi gris solemnidad.
"Ese penacho rapado -le dije-, no te impide ser
osado, viejo cuervo desterrado de la negrura abisal;
¿cuál es tu tétrico nombre en el abismo infernal?"
Dijo el cuervo: "Nunca más".
Que una ave zarrapastrosa tuviera esa voz virtuosa
sorprendióme aunque el sentido fuera tan poco cabal,
pues acordaréis conmigo que pocos habrán tenido
ocasión de ver posado tal pájaro en su portal.
Ni ave ni bestia alguna en la estatua del portal
que se llamara "Nunca más".
Mas el cuervo, altivo, adusto, no pronunció desde el busto,
como si en ello le fuera el alma, ni una sílaba más.
No movió una sola pluma ni dijo palabra alguna
hasta que al fin musité: "Vi a otros amigos volar;
por la mañana él también, cual mis anhelos, volará".
Dijo entonces :"Nunca más".
Esta certera respuesta dejó mi alma traspuesta;
"Sin duda - dije-, repite lo que ha podido acopiar
del repertorio olvidado de algún amo desgraciado
que en su caída redujo sus canciones a un refrán:
"Nunca, nunca más".
Como el cuervo aún convertía en sonrisa mi porfía
planté una silla mullida frente al ave y el portal;
y hundido en el terciopelo me afané con recelo
en descubrir qué quería la funesta ave ancestral
al repetir: "Nunca más".
Esto, sentado, pensaba, aunque sin decir palabra
al ave que ahora quemaba mi pecho con su mirar;
eso y más cosas pensaba, con la cabeza apoyada
sobre el cojín purpúreo que el candil hacía brillar.
¡Sobre aquel cojín purpúreo que ella gustaba de usar,
y ya no usará nunca más!.
Luego el aire se hizo denso, como si ardiera un incienso
mecido por serafines de leve andar musical.
"¡Miserable! -me dije-. ¡Tu Dios estos ángeles dirige
hacia ti con el filtro que a Leonor te hará olvidar!
¡Bebe, bebe el dulce filtro, y a Leonor olvidarás!".
Dijo el cuervo: "Nunca más".
"¡Profeta! -grité -, ser malvado, profeta eres, diablo alado!
¿Del Tentador enviado o acaso una tempestad
trajo tu torvo plumaje hasta este yermo paraje,
a esta morada espectral? ¡Mas te imploro, dime ya,
dime, te imploro, si existe algún bálsamo en Galaad!"
Dijo el cuervo: "Nunca más".
"¡Profeta! -grité -, ser malvado, profeta eres, diablo alado!
Por el Dios que veneramos, por el manto celestial,
dile a este desventurado si en el Edén lejano
a Leonor, ahora entre ángeles, un día podré abrazar".
Dijo el cuervo: "¡Nunca más!".
"¡Diablo alado, no hables más!", dije, dando un paso atrás;
¡Que la tromba te devuelva a la negrura abisal!
¡Ni rastro de tu plumaje en recuerdo de tu ultraje
quiero en mi portal! ¡Deja en paz mi soledad!
¡Quita el pico de mi pecho y tu sombra del portal!"
Dijo el cuervo: "Nunca más".
Y el impávido cuervo osado aún sigue, sigue posado,
en el pálido busto de Palas que hay encima del portal;
y su mirada aguileña es la de un demonio que sueña,
cuya sombra el candil en el suelo proyecta fantasmal;
y mi alma, de esa sombra que allí flota fantasmal,
no se alzará...¡nunca más!.
Los canteros
The Mackintosh man
¿De dónde viene el nombre de éste blog? Pues como no podía ser de otra manera viene de una película que vi una tarde, después de un exámen, y por casualidad, y desde entonces, me enganchó, por su trama, por sus paisajes, y por su música, desde entonces, ésta ha ocupado un lugar privilegiado en mis preferencias cinematográficas.
"El hombre de Mackintosh"
- Título original: The Mackintosh Man
- País: Estados Unidos
- Género: Suspense, Espionaje
- Año: 1973
- Duración: 98 min.
- Producción: John Foreman, William Hill
- Dirección: John Huston
- Guión: Walter Hill
- Fotografía: Oswald Morris
- Música: Maurice Jarre
- Reparto: Paul Newman, Dominique Sanda, James Mason, Ian Bannen, Harry Andrews, Nigel Patrick
- Comentarios: Película basada en la novela The Freedom Trap de Desmond Bagley.
- Argumento: Joseph (Paul Newman) comete un robo y escapa junto a un espía convicto. Los dos son atrapados y enviados a una mansión en un lugar remoto y desconocido, donde son custodiados y mantenidos aislados. Un día Joseph consigue engañar a su guardián y escapa. Sin embargo, en su periplo que le conduce hasta Malta se da cuenta de que nada es como parecía.
Pesadilla antes de navidad
Ésta es una de mis películas preferidas, recuerdo el día en que fuí a verla al cine, en un cine que ya no existe en mi ciudad, acompañadao de una buena amiga; eran las navidades del año 93, y recuerdo la fascinación que sentía l ver a ésos muñecos moviéndose y cantando, tal fué el impacto de la película, que al día siguiente , me fuí a comprar la banda sonora, dejando maltrecha mi economía de un estudiante de 18 años; ya han pasado trece, y tengo ésa película dos veces, en VHS, y, con la llegada del DVD, en ése formato que me ha permitido disfrutar de los cortometrajes previos al film.
Aún disfruto con ella como la primera vez, mi decoración navideña, es un árbol de navidad negro, y los adornos, son figuras de la película, además, tengo cuatro figuras de resina de la película, adornando mi salón, y en cuanto mi economía mejore, serán más.
The Nightmare Before Christmas, conocida como El extraño mundo de Jack en latinoamérica y Pesadilla antes de Navidad en España es una película de 1993 producida por el director estadounidense Tim Burton.
Argumento
En Halloween Town, Jack Skellington es el Rey de Hallowen(Pumpkin King). Jack sufre la depresión post-fiesta y se encuentra cansado de la rutina que implica liderar cada año la fiesta de Halloween. En medio de su depresión, sale a caminar sin rumbo y encuentra la puerta a "La aldea Navideña. Fascinado por este ambiente, Jack decide llevar la navidad a su ciudad.
Al regresar a su propuesta encuentra eco en la población de Halloween y todo el pueblo empieza los preparativos para ser ellos quienes festejen la navidad. Sin embargo, el sentido de belleza, sorpresa y delicadeza de los habitantes de Halloween difiere de lo que usualmente se ve en los festejos de Navidad.
Jack decide que él será quien llevará los presentes de navidad y envía a secuestrar a Santa Claus o San Atroz como lo llama Jack. Con ayuda del Doctor Thinkenstein (el genio loco del pueblo) crea cuatro esqueletos de renos y viaja a la tierra en navidad, sin embargo, sus regalos causan terror y estragos en la tierra, cuyos habitantes deciden destruir al impostor.
Jack es derribado de su trineo-ataud y reconoce su error y decide que deberá seguir haciendo lo suyo - asustar - en lo que es el mejor. Regresa a Halloween , donde los habitantes lo creen muerto, rescata a San Atroz de las manos de Oogie Boogie quien lo tenía secuestrado , para que se el pueda arreglar la Navidad, finalmente todo queda arreglado y Jack & Sally , quien queriendo ayudar a Jack cae también en las manos de 0ogie al final Jack se da cuenta que Sally lo amaba se enamora de ella y son felices por siempre.
Comentarios
El guión de The Nightmare Before Christmas está basado en un argumento de Tim Burton que fue adaptado por Michael McDowell y guionizado por Caroline Thompson.
Esta película utiliza la técnica de animación llamada Stop-motion y supuso la primera de una serie de películas de Tim Burton con este estilo.
The Nightmare Before Christmas fue estrenada en Estados Unidos el 29 de octubre de 1993.
Premios
- 1993
- Saturn
- Best Fantasy Film
- Best Music
- Saturn
- 1994
- Annie
- Best Individual Achievement for Artistic Excellence in the Field of Animation
- Best Individual Achievement for Creative Supervision in the Field of Animation
- Annie
Además obtuvo varias nominaciones para otros premios entre los que destaca el Oscar a los mejores efectos visuales y el Globo de Oro a la mejor banda sonora.
Doblaje en España
La versión española contó con las voces de:
- Antonio Miguel Fernández Ramos - Jack Skeleton (voz)
- Tony Cruz - Jack Skeleton (canciones)
- Ángela González - Sally (voz)
- María Caneda - Sally (canciones)
- Simón Ramírez - Doctor Finlestein
- Juan Miguel Cuesta - Alcalde (voz)
- Javier Pontón - Alcalde (canciones)
- Jesús Castejón - Oogie Boogie
- Julio Nuñez - Santa Claus/Narrador.
Curiosidades
La casa Disney consideró este producto demasiado terrorífico para el público infantil; por ello el filme se vendió más como una producción de la Touchstone Pictures que de los estudios Disney.
La centinela
Una modelo se muda a una casa habitada en el último piso por un sacerdote ciego.
Comienza a tener problemas psíquicos, no puede dormir por la noche, y tiene horribles recuerdos sobre su intento de suicidio.
Se queja a la inmobiliaria que le alquiló el piso, de extraños ruidos que oye por las noches causados por sus extraños vecinos, pero se da cuenta de que, los únicos habitantes de la casa son ella, y el sacerdote ciego, descubrienda que, ella ha alquilado la casa, por una razón....
Si os podeis hacer con ella, sinceramente, os la recomiendo.
Haka de los All blacks
Posiblemente, hayáis visto a quince "terneros" vestidos de negro, pegando voces, frente a otros quince terneros, ésa es la Haka .
Se denomina Haka a cualquier danza maorí, pero se suele referir con este nombre a la danza de guerra maorí.
Actualmente se suele ver antes de cada partido con los All Blacks, el equipo nacional de rugby de Nueva Zelanda.
A veces se suele utilizar como danza de bienvenida y es signo de hospitalidad.
Antes del Haka el líder del equipo ejecuta esta danza con esta letra justo antes del Haka:
Ringa pakia Uma tiraha Turi whatia Hope whai ake Waewae takahia kia kino hoki
Traducción al castellano:
Golpea las manos contra los muslos Infla el pecho Dobla las rodillas Sigue con la cadera Golpea tus pies contra
el suelo lo más fuerte que puedas
Los All black utilizan esta letra:
Ka mate! Ka mate! Ka ora! Ka ora! Ka mate! Ka mate! Ka ora! Ka ora! Tenei te tangata puhuru huru Nana nei i tiki mai Whakawhiti te ra A upa ... ne! ka upa ... ne! A upane kaupane whiti te ra! Hi !!!
La traducción al castellano seria:
Muero! Muero! Vivo! vivo! Muero! Muero! Vivo! vivo! Este es el hombre peludo* Que trajo el sol Y lo hizo brillar de nuevo Un paso hacia arriba!
Otro paso hacia arriba! Un paso hacia arriba,
otro ..... el Sol brilla!
*Para los maoríes peludo equivale a valiente
La UFA
Universum Film AG, más conocido como Ufa o UFA, fue el estudio cinematográfico más importante de Alemania durante el periodo de esplendor de la República de Weimar y durante la segunda guerra mundial. Este conglomerado de industrias alemanas del sector del cine fue una de las más poderosas durante el periodo que va desde el año 1917 hasta 1945.
Historia
Inicios
La compañía UFA se creó un 18 de diciembre de 1917 en Berlin como una compañía de producción cinematográfica estatal para ofrecer servicios públicos de información y de propaganda durante la primera guerra mundial. Fue creada como una consolidación de las mayores empresas alemanas del sector cinematográfico, que incluían Nordisk y Decla. Decla fue anteriormente propiedad de Erich Pommer y sirvió como productora en el año 1919 del film "El Cabinete del Dr. Caligari", uno de los ejemplos del mejor expresionismo alemán, que fue un gran éxito comercial y un film muy influyente. En el mismo año UFA abrió el UFA-Palast (Palacio de UFA) junto al Zoo Theater en Berlín.
Privatización
En el año 1921 UFA fue privatizado. Y empezó una carrera de liderazgo en la industria con la producción de más de 600 películas al año y atendiendo a una cifra de cerca de un millón de espectadores diarios. En el periodo del cine mudo las películas eran muy adaptables a los mercados extranjeros y UFA con su reputación internacional de empresa europea empezó a ser un competidor serio de Hollywood.
La época dorada
En la época de Weimar el estudio produjo y exportó una cantidad ingente de material cinematográfico. Se puede decir que la originalidad y la creatividad acompañaron a esta creación. Hoy en día se estima que sólo se conserva el 10% del material producido en esta factoría cinematográfica. Durante esta época de intensa actividad aparecieron famosos directores como Fritz Lang y F.W. Murnau ambos productores de películas tales como Metropolis, M y actores de la talla de Marlene Dietrich (hizo su primera película hablada en UFA) en el El ángel azul.
Junto con las películas de caracter experimental UFA cultivó un género cinematográfico específicamente alemán denominado (bergfilm) o Cine de Montaña, consagrado exclusivamente a la glorificación de la escalada, el descenso, el esquí, las avalachas, etc. Este género denominado bergfilm fue en sus inicios una creación del director Arnold Fanck; son destacables películas como "La montaña sagrada" (1926) y "Éxtasis dorado" (1931). En estas películas intervinieron leyendas del esquí australiano como Hannes Schneider: También la futura directora Leni Riefenstahl inició su carrera en películas de este género.
La época de propaganda
El estudio conoció una importante expansión financiera a finales de los años 20, en parte debido a las ganancias obtenidas con la película Metrópolis, de Fritz Lang. En marzo de 1927 tomó el mando de la compañía Alfred Hugenberg. Hugenberg estaba relacionado con Krupp. La compañia comenzó a producir propaganda nazi después de que Adolf Hitler llegara al poder en 1933. El ministro de propaganda Joseph Goebbels controló el contenido de los films de UFA mediante amenazas y presiones políticas. A causa de este clima, Lang, al igual que otros colegas suyos de UFA, abandonó Alemania, e inició una nueva carrera en Hollywood.
Actualidad
En la actualidad se conoce como UFA Film & TV Produktion GmbH y pertenece desde 1964 a Bertelsmann-Gruppe. La parte de la empresa encargada de las salas de cine denominada UFA-Konzerns se vendió en el año 1972 a la empresa australiana Unternehmen AHL. Hoy en dia la empresa UFA Film & TV Produktion GmbH se ha concentrado en la producción de programas de televisión. Hoy en día existen filiales de la empresa UFA y que se enumeran a continuación: UFA Entertainment, UFA Fernsehproduktion/UFA Filmproduktion, Grundy Light Entertainment, Grundy UFA TV Produktions GmbH, Phoenix Film y teamWorx.
Derechos sobre el material cinematográfico
Los derechos de la producción de las películas antíguas ("alten UFA") han recaido en la actualidad sobre los herederos de Friedrich Wilhelm Murnau que son los encargados de la conservación, almacenamiento y restauración del material antíguo.
Directores Cinematográficos de UFA
Muchos de ellos han sido conocidos como directores de la época del cine mudo- Destacan: Arnold Fanck, Johannes Guter, Fritz Lang, Friedrich Wilhelm Murnau y Arthur Robison.
Entre 1933 y 1942 fueron directores contratados por UFA: Carl Boese, Eduard von Borsody, Peter Paul Brauer, Karl Hartl, Georg Jacoby, Gerhard Lamprecht, Herbert Maisch, Paul Martin, Karl Ritter, Reinhold Schünzel, Detlef Sierck, Hans Steinhoff, R. A. Stemmle, Viktor Tourjansky, Gustav Ucicky y Erich Waschneck.
Expresionismo alemán en cine
"Expresionismo Alemán" es el nombre que se le da a un grupo de producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Este estilo de hacer cine tiene su correspondencia con la corriente expresionista, llamada así por contraste a la corriente impresionista del siglo XIX en pintura, es decir, con aquél tipo de pintura en la que prima la “expresión subjetiva” sobre la representación de la objetividad. Esta pintura recurría a colores hirientes y ritmos lineales muy fuertes. Arraigó fundamentalmente en Alemania, de donde surgió el movimiento Die Brücke (el puente), fundado en 1905 por unos estudiantes de arquitectura.
Al cine llega, de forma tardía, con “El gabinete del doctor Caligari”, película inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo, Alemania. Narraba los estremecedores crímenes que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra.
Pero Robert Wiene, que será quien la dirija, añadirá dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla al terrible doctor Caligari. El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función meramente dramática y psicológica, y no como algo decorativo. Es cierto que el azar va a contribuir a realzar ese dramatismo, ya que, debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras.
Otra característica a destacar será el maquillaje de los actores, y su interpretación. “El gabinete del doctor Caligari” obtendrá un gran éxito. Será, junto al personaje de Charlot, el primer gran mito de la historia del cine. Los críticos franceses acuñaron la palabra caligarismo para designar las películas alemanas de la nueva estética. Wiene dirigirá varias obras más en años sucesivos, pero jamás conseguirá alcanzar el éxito ni la calidad artística de Caligari. Con la llegada de los nazis al poder decide exiliarse y fallece en Paris en 1938.
El expresionismo evolucionará sustituyendo las telas pintadas por los decorados e dando paso a una iluminación más compleja como medio expresivo. Esto da origen a una nueva corriente que se conocerá como Kammerspielfilm, que posee su origen en las experiencias realistas del teatro de cámara de Max Reinhardt, famoso director teatral de la época.
La estética de la Kammerspielfilm se basa en un respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, en una gran linealidad y simplicidad argumental, que hace innecesaria la inserción de rótulos explicativos, y en la sobriedad interpretativa. La simplicidad dramática y el respeto a las unidades permiten crear unas atmósferas cerradas y opresivas, en las que se moverán los protagonistas. La trayectoria de esta corriente aparece dominada por dos realizadores principalmente:
Friedrich Wilhelm Murnau
Friedrich Wilhelm Murnau funda su propia productora en 1919, comenzando a dirigir películas en las que tratará de expresar su subjetividad con el máximo respeto por las formas reales del mundo. “Nosferatu”, (1922), es un ejemplo de ello, película que cuenta el mito del vampiro y que será una de sus obras cumbres. Para rodarla, recurrirá a escenarios naturales, enfrentándose a la preferencia expresionista de filmar las escenas en estudio. Con la introducción de elementos reales en una historia fantástica logra potenciar su veracidad. Además hará uso del acelerado y del ralentí, y del empleo de película negativa para marcar el paso del mundo real al ultrarreal.
Tras Nosferatu dirigirá “El último” (Der letze mann), historia del portero de un lujoso hotel que es trasladado de puesto de trabajo debido a su edad. El hombre no se conforma con la pérdida de su uniforme y lo roba cada día para regresar con él a su casa, hasta que es descubierto. Esta obra supone la transición clara del expresionismo al realismo social, aunque está narrada en un lenguaje plástico lleno de prototipos expresionistas. Para dar agilidad al relato Murnau y su operador, Karl Freund, utilizarán una cámara muy dinámica, atada al pecho de este último, para realizar travellings subjetivos circulares, e imitarán los movimientos de una grúa, situando la cámara en el extremo de una escalera de incendios.
Murnau realizará varias obras más, siempre con una gran calidad técnica, en años sucesivos, como las adaptaciones de “Fausto” y del “Tartufo de Moliere”, para terminar aceptando un tentador contrato en Hollywood, donde ganará un Oscar y fallecerá en un accidente de tráfico en 1931.
Fritz Lang
Junto a Murnau, el austriaco Fritz Lang es otro de los maestros de la escuela expresionista. Su debut como realizador se produce en 1919 con la película “Die Spinnen”, pero alcanza el éxito y el reconocimiento con Der mude Tod, en 1921, que narra la lucha entre el amor y al muerte. Esta obra causará un impacto muy importante, y será la que decida la vocación del director español Luis Buñuel. En su siguiente obra, “Los Nibelungos” tendrá ocasión de poder demostrar toda su madurez. Esta exaltación aria en la que los hunos son presentados como seres de raza inferior, parece premonitoria de los tiempos que vienen.
“Metrópolis”, 1926, será su obra definitiva. En ella, jugará con espacios, volúmenes y claroscuros. Metrópolis es un tratado sociológico algo infantil, pero, a pesar de ello, Lang conseguirá imágenes que pasarán a la historia del cine y que el espectador no podrá olvidar: su opresivo mundo subterráneo, el relevo de turno de los obreros, la inundación, el pánico en la ciudad, etc... Metrópolis representará el apogeo de del expresionismo de orden arquitectónico como Caligari lo fue en el pictórico.
La mayoría de los historiadores exculpan a Lang de querer engrandecer al pueblo ario en sus películas, culpando a su esposa y guionista, Thea Von Harbou, futura militante del partido nazi, de ser la responsable de ese enaltecimiento. De hecho, Lang, realizará “El testamento del doctor Mabuse”, en 1933, película prohibida en la Alemania de la época por constituir un alegato contra el nacionalsocialismo. Un poco más tarde huirá a Estados Unidos donde proseguirá con su obra y fallecerá en 1976.
Georg Wilhelm Pabst
El último gran realizador de la estética expresionista alemana será Georg Wilhelm Pabst. Debuta como actor teatral, fundando su propia productora cinematográfica, en la que debuta en 1923 con una obra menor llamada “Der Schat”, pero no se dará a conocer hasta dos años más tarde con la película “Bajo la máscara del placer”, un drama de miseria, interpretado por Greta Garbo, ubicado en un momento histórico y real,. De estilo netamente realista, esta obra se rodó completamente en estudio, lo que hace que pierda parte de su fuerza por la falsedad de sus decorados, pero su mérito reside en presentar por primera vez la situación de la burguesía alemana tras la guerra, arruinada y en crisis.
Pabst será el primer cineasta que incorpora el psicoanálisis en una de sus películas, ayudado por dos discípulos de Sigmund Freud, realizando un estudio sobre la impotencia en 1926. Sus siguientes obras abordarán los problemas de la psicología femenina en una trilogía: “Abwege”, “La caja de Pandora” y “Tres páginas de un diario”, donde por medio de la vida de sus protagonistas femeninas realiza una crítica amarga de la Alemania de su época. Esos serán los dos motores que muevan la obra de Pabst: los sentimientos y la realidad social de su país.
Pabst encarrila el cine alemán por la senda del realismo social, y, a la trilogía femenina, seguirán películas más comprometidas social y políticamente, que fueron prohibidas en 1933 tras el ascenso al poder del nacionalsocialismo. Huirá a Francia, donde seguirá con su obra, para regresar a su país, donde filmará en la década de los años 50 un alegato contra el nazismo, fallecerá en Viena en 1967.
El gabinete del Doctor Caligari
El gabinete del doctor Caligari (o Das Kabinett des Doktor Caligari) es una vanguardista película muda de 1919 dirigida por Robert Wiene y protagonizada por Werner Krauß (Doctor Caligari), Conrad Veidt (Cesare), Friedrich Feher (Francis), Lil Dagover (Jane) y Hans Heinrich von Twardowski (Alan). Fue una de las primeras películas producidas en los estudios alemanes UFA. El director Robert Wiene hace un excelente trabajo con las emociones de los personajes, los movimientos de cámara, la presencia de los personajes.
El productor, Erich Pommer, de la Decla-Bioscop, quería que fuera Fritz Lang quien dirigiera la película, pero Lang tenía otros compromisos en ese momento, de modo que acabo siendo Wiene quien la dirigió.
El guión original de la película, de Hans Janowitz y Carl Mayer, inspirado en un caso real ocurrido en Hamburgo, fue modificado y Wiene, seguramente presionado por la productora y ésta por las autoridades alemanas, añadió una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia, quedando convertida en el relato de un loco.
La cinta es considerada como el primer film expresionista de la historia, y destacan los decorados distorsionados que crean una atmósfera amenazante. Los responsables de la escenografía fueron Walter Rörig, Walter Reimann y Hermann Warm, miembros del grupo Strum. El expresionismo fue una edad dorada del cine, en donde los mayores representantes fueron: Fritz Lang, George Wilhelm Pabst o Robert Wiene.
El expresionismo en esta película se funda en la interpretación subjetiva del mundo de los personajes, que se encuentran bajo el mundo real. Se enfrentan en los personajes dos conceptos diferentes: la imaginación y lo onírico frente al realismo. Un personaje termina como queriendo decir que todo fue producto de la imaginación de la persona, que no existe el sonámbulo ni el doctor Caligari.
La película se caracteriza por la estilización de los decorados, la forma exagerada de actuar, las luces que algunas son puntuales y fuertes resaltándolas del resto del conjunto de la escena. También se muestran potentes y peculiares usos de angulación de la cámara, como un encuadre inclinado.
Los decorados están distorsionados, ya que se representan como si fueran una maqueta o cartones pintados superpuestos para crear ilusiones, de esta manera los decorados son muy expresivos y los actores también. Se enfatizan sombras oscuras y contrastes, como en su comienzo, al aparecer la chica que resalta del fondo. Se nota que hay un uso de luces artificiales. El expresionismo influyó luego, como por ejemplo a Hitchcock.
Nosferatu
Nosferatu, eine Symphonie des Grauens, (Nosferatu, una sinfonía del horror), película muda de 1922 dirigida por F.W. Murnau.
Murnau quiso realizar una adaptación cinematográfica de la novela Drácula, de Bram Stoker, pero su estudio no logró hacerse con los derechos de la historia. De modo que decidió filmar su propia versión de la novela y el resultado es una película que tiene un gran parecido con la historia original de Stoker. El nombre de "Drácula" se cambió por el de "Nosferatu" (antigua palabra del checo para vampiro o no muerto) y también se cambiaron los nombres de los personajes: el Conde Drácula es aquí el Conde Orlok, por ejemplo. Su papel fue interpretado por Max Schreck. Sin embargo, la viuda de Stoker demandó la película por infracción de derechos de autor y ganó el juicio.
El tribunal ordenó que se destruyeran todas las cintas de Nosferatu, pero un reducido número de copias de la película ya había sido distribuido por todo el mundo y permanecieron escondidas por particulares hasta la muerte de la viuda de Bram Stoker.
Con el paso de los años se hicieron más copias de esas cintas (algunas de muy baja calidad y con cortes importantes). Nosferatu se labró la reputación de ser una de las mejores películas sobre el mito del vampiro y uno de los máximos exponentes del Expresionismo alemán.
Ahora, la obra Nosferatu de Murnau pertenece al dominio público y existe un gran número de copias en vídeo, generalmente de muy baja calidad ya que provienen de copias hechas a partir de otras copias de las primeras cintas distribuidas para la exhibición internacional. Muchas de ellas presentan diferencias notables de metraje, puesto que en cada país se exhibió una versión diferente de la película. Así pues, la copia francesa no es la misma que la alemana, por dar un ejemplo. No obstante, recientemente se han publicado ediciones restauradas de la película en las que se ha recuperado casi todo el metraje completo de la película original.
En 1979, Werner Herzog dirigió un revisión de Nosferatu, Nosferatu: Phantom der Nacht. Filmado con un presupuesto escaso, como era habitual en Alemania durante los años 1970, el Nosferatu de Herzog fue un éxito de crítica y es considerado un sentido homenaje a la película original de Murnau.
En el año 2000 se rodó La sombra del vampiro, que es una historia ficticia sobre el rodaje de la versión muda de Nosferatu. Protagonizada por John Malkovich y Willem Dafoe, se trata de una historia fantástica de horror en la que un director (Murnau, interpretado por Malkovich) crea una película de vampiros completamente realista gracias a que contrata a un auténtico vampiro (interpretado por Dafoe) para que interprete el papel del vampiro
Metrópolis
| Título | Metrópolis | ||||
 Afiche promocional de la película | |||||
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| Ficha técnica | |||||
| Dirección |
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| Ayudante de dirección | |||||
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| Dirección artística | |||||
| Producción | Erich Pommer | ||||
| Diseño de producción | |||||
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| Guión | Fritz Lang Thea von Harbou | ||||
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| Música | Gottfried Huppertz | ||||
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| Sonido | |||||
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| Fotografía | Karl Freund Gunther Rittau | ||||
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| Montaje | |||||
| Escenografía | |||||
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| Vestuario | |||||
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| Maquillaje | |||||
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| Peluquería | |||||
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| Efectos especiales | |||||
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| Reparto | Brigette Helm Gustave Fröhlich Alfred Abel Rudolf Klein-Rögge | ||||
| Datos y cifras | |||||
| País(es) | Alemania | ||||
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| [[{{{país3}}}]] | |||||
| [[{{{país4}}}]] | |||||
| Año | 1927 | ||||
| Género | Ciencia ficción | ||||
| Duración | 210 minutos (premiere alemana) 123 minutos (restauración año 2002) 92 minutos (versión EEUU año 1927) | ||||
| Clasificación | {{{clasificación}}} | ||||
| Compañías | |||||
| Productora | UFA | ||||
| Distribución | UFA | ||||
| Presupuesto | 7.000.000 marcos | ||||
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| Ficha en IMDb | |||||
Metrópolis es un filme alemán realizado por la productora UFA, se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas.
El guión fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma von Harbou.
Trama
El filme se desarrolla en el año 2026, en una ciudad-estado de enormes proporciones llamada Metrópolis. La sociedad se ha dividido en dos grupos antagónicos y complementarios: una élite de propietarios y planeadores, que viven en la superficie, viendo el mundo desde los grandes rascacielos y paisajes urbanos, y una casta de trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie. El presidente-director de la ciudad es Johhan 'Joh' Fredersen (interpretado por el actor Alfred Abel).
Una figura carismática y pacificadora llamada María defiende la causa de los trabajadores. Pero en lugar de incitar a una revuelta, insta a los trabajadores a buscar una salida pacífica y tener paciencia, esperando la llegada del "Mediador", que unirá ambas mitades de la sociedad. El hijo de Fredersen, Freder (Gustav Fröhlich) conoce a María y queda prendado de ella. Al seguirla sin que ésta se dé cuenta, penetra en el mundo subterráneo de los trabajadores y mira con sus propios ojos las pésimas condiciones en que éstos viven y trabajan, así como el desdén absoluto de los propietarios, que prefieren traer más trabajadores para que las máquinas no se detengan, que auxiliar a los que sufren accidentes en ellas. Asqueado por lo que ve, Freder decide unirse a la causa de María.
Sin embargo Fredersen se ha dado cuenta ya de las actividades de María, y temiendo una revuelta de los obreros, decide solicitar la ayuda del científico Rotwang (Rudolf Klein-Rogge), quien a su vez le muestra un robot antropomorfo de su invención. El robot creado por Rotwang puede tomar tanto la conducta como la apariencia de una persona, así que deciden suplantar a María. El robot tiene como órdenes promover los disturbios y el descontento, para así permitir a Fredersen lanzar una represión violenta contra los trabajadores.
La verdadera María es hecha prisionera en la mansión de Rotwang, en Metrópolis, mientras el robot la suplanta y lanza discursos inflamatorios. Sin embargo, el robot comienza a mostrar cierta iniciativa propia, y se transforma en bailarina exótica en los clubs nocturnos de Metrópolis, para promover la discordia y la decadencia entre los jóvenes adinerados. Siguiendo los malos consejos del Robot-María, los trabajadores inician una revuelta y destruyen la "Máquina Corazón", que proporciona la energía que hace funcionar toda la demás maquinaria de Metrópolis. La destrucción de dicha máquina también provoca que los tanques de agua de la ciudad se aneguen, e inunden el submundo de los trabajadores, ahogando presumiblemente a los hijos de éstos en sus guarderías comunales. Los trabajadores desesperados salen a la superficie en busca de su "enemiga en la ciudadela", la presunta María. La muchedumbre invade el distrito de diversiones de la ciudad y captura a la falsa María, a la cual atan a una estaca y prenden fuego, mientras Freder observa todo y desespera. Pero pronto se dan cuenta que esa María es una impostora, al arder sus carnes falsas y quedar al descubiero el robot, y al ver a María ser perseguida por el enloquecido Rowang en los tejados de la catedral de la ciudad. Freder persigue a Rowang, y lo enfrenta hasta que éste último se precipita del tejado hacia su muerte. María y Freder retornan a la calle y van al encuentro de Joh y Grot (líderes de la ciudad y de los trabajadores) y dejan entrever el comienzo de una nueva sociedad.
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